Kipu.hu

Жан Огюст Доминик Энгр – известный французский художник, а также, выдающийся живописец и график, который в свое время получил и художественное, и музыкальное образование.

Венера Анадимеона
Знаменитую картину, французский художник, начал рисовать в 1808 году, а для того, чтобы ее завершить, ему понадобилось, почти сорок лет, не смотря на то, что высота картины всего лишь 1, 63 метра, а ширина – 92 сантиметра comparar ofertas.

Когда картина, была завершена, она многим не понравилась, поскольку художник допустил неточности при прорисовке колена богини – красавицы. Не смотря на это, картину, великого художника приобрели и выставили на Всемирной выставке.

Сюжет картины – рождение прекрасной Венеры, после борьбы Кроноса и Урана. Когда божественное семя Урана упала в море, из пены встала восхитительная богиня, которая была наречена Венерой Анадимеоной, что в переводе значит Венера Пенорожденная.

В центре картины мы видим Венеру – молодую, обнаженную девушку, с длинными, красивыми волосами. У нее пышный бюст, одна рука закинута за голову, а другой она проводит по волосам. Вокруг Венеры Пенорожденной собрались дети – амуры, которые чрезвычайно восхищены происходящим. Одни предлагают Венере заглянуть в зеркальце, чтобы она могла увидеть свою красоту, другие держат в руках небольшие луки, которые так часто упоминаются в любовных историях.

Источник
Жан Огюст Доминик Энгр в своих картинах воспевал красоту лиц и эстетику, писал мифологические сценки, для вдохновения, использовал религию.

Часто, свои картины не мог продать, потому, что они были слишком откровенными, так считали его современники. Тогда, он использовал их для дальнейшего вдохновения, просто повесив на стену мастерской.

Картина «Венера», одна из таких картин, которая несколько лет висела в мастерской, глядя на нее, появилась картина «Источник». А Венера, через какое – то время была выгодна продана, потому, что художник закрасил несколько пикантных деталей.

Турецкая баня
Над этой картиной, художник стал работать в семьдесят лет, а завершил ее в восемьдесят два года. Она – итог его жизни, воплощение его мастерства.

На картине изображен гарем турецкого Хана, который в полном составе отправился в баню. Все пространство картины, заполнено женщинами. На первый взгляд картина кажется хаотичной, но вглядевшись лучше, мы видим, что все гармонично и естественно.

Первое, что мы видим на картине – женскую фигуру, которая повернута к нам спиной и которая держит в руках музыкальный инструмент. Рядом с нею, на подушках, удобно устроившись лежат другие женщины, одна танцует, а одна опустила ногу в воду бассейна.

Глядя на картину, мы видим очень много женщин, поэтому, нам кажется, что картина светится светлым, телесным светом и только кое – где нарисованные яркие пятна, нам напоминают, что в мире есть и другие цвета.

Если вы, на эту картину будете смотреть долго, то сможете почувствовать ароматный пар и особую атмосферу. Женщины, не думают, как они выглядят, они наслаждаются происходящим.

Паоло Веронезе является одним из известнейших живописцев венецианской школы.

Родился художник в Вероне, в 1528 году, учился у своего дяди – художника Бадиле.

В 1573 году, художника был обвинен судом инквизиции, но сумел оправдаться. Ему пришлось, на картине, лишь исправить несколько фигур и несколько фигур исключить.

Триумф Венеции
Картина «Триумф Венеции» находится в Большом зале Совета, во дворце Дождей в Венеции. Это полотно овальной формы и украшает потолок зала.

Художник, созданию картины, посвятил пять лет своей жизни и специалисты предполагают, что она была нарисована где – то между 1580 и 1585 годом.

На картине мы видим, как небесный Ангел коронует молодую Венецию.

На переднем плане картины мы видим живописные витые колоны и балюстрады, на нижней части – нечто вроде балкона. Всюду располагается много людей разного пола и возраста. Все они наблюдают за действием, которое происходит в вышине, за облаками.

Некоторые люди стараются взобраться повыше и увидеть больше автора картины. Изображенные на картине люди, представляют собой добродетелей, которых у Венеции не мало. Так считал автор, и именно так, свои мысли отразил на полотне.

Перед балконом видны рыцари, которые также пришли посмотреть на невиданное зрелище.

Облака выглядят как второй этаж, на котором происходит действие, привлекающее внимание людей.

Картина нарисована яркими красками и имеет многообразную цветовую гамму.

Брак в Кане Галилейской
Гигантская по своим масштабам картина «Брак в Кане Галилейской» выставлена в Лувре. Ее масштабы поражают своей величиной. Художник картину создавал целый год по заказу монахов Сан – Джорджо Маджоре. После завершения грандиозной работы, картина была размещена в трапезной католического монастыря.

На картине мы видим евангельскую сцену –первое чудо, которое сотворил Христос, а точнее, превращение воды в вино.

В центре полотна, за богато накрытым столом , сидит Иисус с Матерью, голова которой покрыта черным платком. Рядом с ними сидит несколько учеников. Всего на картине изображено около 130 персон.

На переднем плане картины мы видим роскошное застолье и музыкантов. Достоверных источников не сохранилось, но легенда гласит о том, что многие персонажи, изображенные на картине, являются реальными людьми. Жениха и невесту – виновников торжества, художник изобразил в левой стороне стола.

Они сидят у самого края.

Средняя часть картины заполнена слугами. Также, на картине видно и символическое действие: над головой Христа стоит мясник, который поднял нож над ягненком. Это символизирует будущую жертву.

Верхнюю часть картины занимают античные колоны – вымысел художника, потому, что в реальном мире, они существовать не могли, на балконах сидят любопытные люди, которые наблюдают за происходящим. Вдали, мы видим небо, по которому плывут облака и парят птицы.

Художнику, удалось умело соединить религиозный сюжет и роскошь своих современников. Это одно, из его высочайших достижений.

Иван Айвазовский наиболее выдающийся русский художник – маринист, армянского происхождения.

Его творчество является поистине драгоценным наследием российской культуры. Море, на берегу которого он родился, стало частью будущего гения, вдохновило его и зародила в нем бурю эмоций, которые потом, великий художник выплеснул на своих полотнах.

Фрегат под парусом
Картину «Фрегат под парусом», Иван Айвазовский написал в 1838 году.

В центре картины находится фрегат – боевой корабль. Его окружает тихое, штильное море, легкий, рассветный сиреневый туман и фигуры мирно беседующих восточных купцов. Все, как будто еще замерло в утренней тишине, но в воздухе уже можно чувствовать – приближается утро, которое вот – вот зальется пением птиц, разговорами людей, спешащих на рынок, а также разговорами людей, начинающих свою боевую вахту.

Такой стиль, очень нравился художнику, и он, гениально умел красками наполнить пейзаж. Зрителям, на какой – то миг, может показаться, что они чувствуют и запахи, и звуки, они могут даже затаить дыхание, и ждать, что мирный покой вот – вот оживет и все станет реальным.

Парусники
На картине мы видим бушующее море, темное, тяжелыми тучами покрытое небо и парусники, которые уверено взлетают на гребнях белых волн.

Море, которое находится на переднем плане картины, выполнено почти черными красками, ближе к центру картины, оно становится светлее, начинает набирать солнечный свет. Позы людей на корме, показывают, что шторм затихает, и судно вот – вот, продолжит свой путь по спокойному морю.

Иван Айвазовский, большинство своих работ написал маслом, но его техника, изображения была доведена до такого совершенства, что многим, с первого взгляда казалось, что его работы выполнены акварельными красками. Художник всегда работал с удивительной легкостью и быстротой. Он мог полностью нарисовать картину за один сеанс. Эту черту, он сохранил до самой старости, и даже в возрасте 80 – лет, картину, площадь которой занимала 12 квадратных метров, закончил за десять дней.

Говоря о художнике, нужно сказать, что все его работы являются очень реалистичными, об этом, в свое время, говорили все именитые живописцы. Уильям Тернер – знаменитый британский акварелист, написал Ивану Айвазовскому восторженное письмо, в котором не скрывал своего восторга и искренне хвалил мастерство художника.

Восход солнца
За свою творческую жизнь, художник написал, около, 6000 полотен на самую разную тематику. В основном, все его картины имеют определенный сюжет и разную тематику. Но самое притягательное в его картинах – это способность отразить морские волны неожиданным богатством цвета. Точно также, это касается и предрассветного неба, солнца, луны, и всего, что он рисовал.

Полотно «Восход солнца» написано в 1878 году и видим мы на нем прекрасный морской пейзаж на рассвете. Почти все полотно занимает восходящее солнце, которое своим светом заполняет все.

Глядя на картину, мы видим, что техника живописи, доведена до такого совершенства, что нельзя понять где мы находимся…

Каждый человек, которому нравится искусство, может считать себя счастливым, если ему хоть раз в жизни удалось видеть эту красоту. Многие люди, годами копят деньги, для того, чтобы посетить музеи, а некоторые даже пользуются быстрыми кредитами. Вряд ли, быстрый кредит, является хорошим решением, а вот сбережения помогут вам отправится в один из музеев.

Гюстав Курбе – известный французский живописец, пейзажист, портретист, а также жанрист. Его считают одним из крупнейших художников Франции на протяжение всего 19 века.

Автопортрет
Французский художник, Гюстав Курбе, написал много портретов не только других людей, но и самого себя. Глядя на эти портреты, не остается никаких сомнений – он был гениальный мастер. От портрета к портрету, мы видим, как он улучшает свою технику и самосовершенствуется.

Все картины, можно разделить на два вида: первый вид вызывает у людей восторг, второй вид – негодование. Гюстав Курбе, умел создавать и те, и другие картины, иногда, у него это получалось с одной картиной.

Картина «Автопортрет», очень умело передает негативную эмоцию.

На портрете, мы видим молодого человека с широко раскрытыми глазами, бледной кожей лица, чуть розоватыми щеками и темными волосами. Руки приподняты к голове и ярко выражают отчаяние, может быть даже и страх.

Картина нарисована угрюмыми красками, фон мрачен, но к большому удивлению, картина зрителя не отталкивает, даже наоборот – притягивает, не смотря на то, что в ней отражены негативные эмоции. Это еще раз свидетельствует о мастерстве художника, который так умело смог передать такие глубокие эмоции. При подробном рассмотрении картины, профессионалы и ценители, могут полностью увидеть характер нарисованного молодого мужчины.

Купальщицы
Картина Гюстава Курбе «Купальщицы» стала не только популярной, но и скандальной, а также вызвала широкий общественный резонанс. В этой картине, художник, нарушил почти все традиции, которые соблюдались при изображении людей, и особенно женщин.

У картины нету сюжета, она просто изображает купальщиц, которые ничего не делают. К тому же, преувеличенные пропорции, вызывают отвращение у зрителей того времени. Позы женщин, как бы говорят о том, что здесь должен быть какой ни будь сюжет – но его нет. В то время, обнаженное тело было принято рисовать только у мифических персонажей, для остальных – это считалось табу. Не смотря на эти факты, картины мастер рисовал очень умело, там изображено много мелких деталей, реалистичная тень и свет. Но, как бы ни старался художник, и эта, и другие его картины вызывали у множества известных людей много неприятных эмоций, его ненавидели и презирали, говорили много неприятных слов в адрес всей его деятельности.

Почему так получилось? Отрицательное отношение к данной картине начало формироваться и потому, что даже невооруженным глазом виден намек на Марию Магдалину, а это считалось кощунством и вызвало максимальное порицание.

Курбе смело опережал свое время, ломал создавшиеся рамки и стереотипы, он не переживал по поводу собственной репутации, благодаря этому он мог внести большой вклад в реализм и в живопись в стиле ню.

Негативные эмоции, связанные с работами художника, всколыхнули художественное сообщество и начали процесс изменения сознания.

Франц Марк – немецкий живописец, представитель экспрессионизма. Выдающийся художник родился в 1880.году, в Мюнхене, ушел из жизни в 1916. году, во Франции, во время Первой Мировой войны.

Франц Марк, очень часто изображал животных в естественной обстановке, для него они являлись высшими, чистимы существами. Позднее, в свои работах он использовал, яркую палитру красок и кубистические образы, которые иногда создавали апокалиптическое и тревожное настроение.

Синий конь
Картина «Синий конь», является одной, из самых известных работ немецкого живописца, к тому же, она очень сильно отличается от других картин. Пронзительна и полна очарования – так, совсем коротко, можно описать эту картину.

На картине мы видим синего коня, грудь которого пронизывает белый цвет, а грива и копыта отдают синевой. Конь символизирует молодого, полного сил юношу, голова, которого склонена на один бок, а тело нарисовано в изломанных формах. Нужно сказать, что художник рисовал, именно, в такой манере.

Картина выполнена в интересном стиле и фон из контрастных цветов, лошадь делает еще необыкновенней. Они, как бы оба дополняют друг друга – лошадь фон, а фон – лошадь, и создают впечатление что, не могут существовать друг без друга.

Франц Марк, считал, что фантазия, точно так – же, как и творчество, не имеет границ. У художника была своя теория цвета и он считал, что нужно рисовать так, как видишь. Особенную, цветовую гамму, художник использовал во многих работах. Он считал, что желтый цвет, это женский принцип, потому, что его сущность чувственная и мягкая, синий цвет – это мужской принцип, а сущность его строгая и одновременно духовная, красный цвет – цвет материи, сущность которого жестокая, и всегда подавляется первыми, двумя цветами.

В картине «Синий конь», художник показал всю красоту синего цвета, соединил благородное животное и неотразимую красоту синего цвета. В результате появилась уникальная картина.

Картину, можно назвать уникальной, не только благодаря синему цвету, но и форме лошади, которая является довольно экспрессионистической и в каждом человеке вызывает разные эмоции.

Лисы
Некоторые работы, Франца Марка, можно назвать необычными.

Судя по названию, не тяжело догадаться, что темой этой картины являются лисы. Для написания, этих, хитрых животных, художник использовал ярко красные, темно зеленые и даже синие краски. Картина, выполнена в очень интересном стиле, нам кажется, что мы смотрим на витражное стекло, а не на картину. К тому же, как ни странно, в этой неразберихе, можно увидеть самые настоящие лисьи мордочки.

Лисы помещены в центр картины, и выполнены в ярко красном цвете, для остального пространства, художник использовал другие цвета.

Францу Марку, удалось создать впечатление, что лисы находятся за стеклом, и человек, может наблюдать за их жизнью.

Марк Шагал известный белорусский и французский художник еврейского происхождения, а также, один из самых известных представителей художественного авангарда 20 века, писал стихи на идише, был сценографом.

Музыка
Музыка и театр, всегда служили, для Марка Шагала, источником вдохновения, благодаря им, ему удалось реализовать самые лучшие свои творческие работы. Любовь к живописи, Марку уже была привита с самого детства, точно также, как и любовь к музыке и к искусству в целом. Творческая атмосфера сопровождала его повсюду, он жил в этой атмосфере и впитывал ее.

Когда настало время покинуть родной дом, он эти ощущения сохранил в своем сердце и в итоге, это существенно повлияло на характер его произведений искусства.

Картина «Музыка» была написана в 1920. году. В центре композиции мы видим крупную фигуру скрипача. Марк Шагал, для изображения музыканта, часто выбирал фигуру скрипача. Это можно очень легко объяснить – на всех знаменательных событиях: свадьбах, похоронах и других праздниках, еврейскую семью, всегда сопровождал скрипач.

На картинах, Марка Шагала, изображен не обычный, а авангардный скрипач. Эта работа не исключение. Тут мы видим чрезвычайно крупную фигуру музыканта, которая ногами упирается в крыши маленьких домиков. На музыканте фиолетовый плащ, а скрипка у него – ярко оранжевого цвета. Но самое необычное – это лицо музыканта, художник нарисовал его темно зеленого цвета.

Глядя на картину, возникает очень много вопросов…

Художнику удалось великолепно изобразить победу музыки и музыканта, который передает нам мощную энергетику. Не зря, многие это считают символом перерождения человека, путем постижения музыки.

Синий дом
Марк Шагал, в своей жизни, пережил многое и это отразилось на его работах. Он написал огромное количество картин, и дал нам возможность понять, как прекрасен настоящий момент. Художник умел изживать такие моменты, не думать ни о чем и сохранять спокойствие.

Эта картина нас удивляет старым деревенским творением – синим домом, на которого нужно смотреть основательно, потому, что при беглом взгляде, можно и не понять замысел художника.

В России много домов синего цвета, но никто не может понять, почему художник выбрал этот странный оттенок. Каждому человеку, определенный цвет, вызывает свои особые ощущения, не исключено, что Марку Шагалу, этот оттенок ассоциировался с невыразимой тоской. Выбор оттенка, трактуют по – разному – это лишь один из вариантов. Этот же цвет появляется и на заднем плане, и на стенах других домов.

Дом заброшен и стоит на окраине, а в дали виднеется целый город. Тема, которую мы видим – является классической, все изображено так, что ничего нельзя изменить, а краски подобраны, просто гениально.

Картина наполнена всевозможными эмоциями и поэтому, нам кажется, что город живой, не смотря на то, что он пустой.