Kipu.hu

Паоло Веронезе является одним из известнейших живописцев венецианской школы.

Родился художник в Вероне, в 1528 году, учился у своего дяди – художника Бадиле.

В 1573 году, художника был обвинен судом инквизиции, но сумел оправдаться. Ему пришлось, на картине, лишь исправить несколько фигур и несколько фигур исключить.

Триумф Венеции
Картина «Триумф Венеции» находится в Большом зале Совета, во дворце Дождей в Венеции. Это полотно овальной формы и украшает потолок зала.

Художник, созданию картины, посвятил пять лет своей жизни и специалисты предполагают, что она была нарисована где – то между 1580 и 1585 годом.

На картине мы видим, как небесный Ангел коронует молодую Венецию.

На переднем плане картины мы видим живописные витые колоны и балюстрады, на нижней части – нечто вроде балкона. Всюду располагается много людей разного пола и возраста. Все они наблюдают за действием, которое происходит в вышине, за облаками.

Некоторые люди стараются взобраться повыше и увидеть больше автора картины. Изображенные на картине люди, представляют собой добродетелей, которых у Венеции не мало. Так считал автор, и именно так, свои мысли отразил на полотне.

Перед балконом видны рыцари, которые также пришли посмотреть на невиданное зрелище.

Облака выглядят как второй этаж, на котором происходит действие, привлекающее внимание людей.

Картина нарисована яркими красками и имеет многообразную цветовую гамму.

Брак в Кане Галилейской
Гигантская по своим масштабам картина «Брак в Кане Галилейской» выставлена в Лувре. Ее масштабы поражают своей величиной. Художник картину создавал целый год по заказу монахов Сан – Джорджо Маджоре. После завершения грандиозной работы, картина была размещена в трапезной католического монастыря.

На картине мы видим евангельскую сцену –первое чудо, которое сотворил Христос, а точнее, превращение воды в вино.

В центре полотна, за богато накрытым столом , сидит Иисус с Матерью, голова которой покрыта черным платком. Рядом с ними сидит несколько учеников. Всего на картине изображено около 130 персон.

На переднем плане картины мы видим роскошное застолье и музыкантов. Достоверных источников не сохранилось, но легенда гласит о том, что многие персонажи, изображенные на картине, являются реальными людьми. Жениха и невесту – виновников торжества, художник изобразил в левой стороне стола.

Они сидят у самого края.

Средняя часть картины заполнена слугами. Также, на картине видно и символическое действие: над головой Христа стоит мясник, который поднял нож над ягненком. Это символизирует будущую жертву.

Верхнюю часть картины занимают античные колоны – вымысел художника, потому, что в реальном мире, они существовать не могли, на балконах сидят любопытные люди, которые наблюдают за происходящим. Вдали, мы видим небо, по которому плывут облака и парят птицы.

Художнику, удалось умело соединить религиозный сюжет и роскошь своих современников. Это одно, из его высочайших достижений.

Иван Айвазовский наиболее выдающийся русский художник – маринист, армянского происхождения.

Его творчество является поистине драгоценным наследием российской культуры. Море, на берегу которого он родился, стало частью будущего гения, вдохновило его и зародила в нем бурю эмоций, которые потом, великий художник выплеснул на своих полотнах.

Фрегат под парусом
Картину «Фрегат под парусом», Иван Айвазовский написал в 1838 году.

В центре картины находится фрегат – боевой корабль. Его окружает тихое, штильное море, легкий, рассветный сиреневый туман и фигуры мирно беседующих восточных купцов. Все, как будто еще замерло в утренней тишине, но в воздухе уже можно чувствовать – приближается утро, которое вот – вот зальется пением птиц, разговорами людей, спешащих на рынок, а также разговорами людей, начинающих свою боевую вахту.

Такой стиль, очень нравился художнику, и он, гениально умел красками наполнить пейзаж. Зрителям, на какой – то миг, может показаться, что они чувствуют и запахи, и звуки, они могут даже затаить дыхание, и ждать, что мирный покой вот – вот оживет и все станет реальным.

Парусники
На картине мы видим бушующее море, темное, тяжелыми тучами покрытое небо и парусники, которые уверено взлетают на гребнях белых волн.

Море, которое находится на переднем плане картины, выполнено почти черными красками, ближе к центру картины, оно становится светлее, начинает набирать солнечный свет. Позы людей на корме, показывают, что шторм затихает, и судно вот – вот, продолжит свой путь по спокойному морю.

Иван Айвазовский, большинство своих работ написал маслом, но его техника, изображения была доведена до такого совершенства, что многим, с первого взгляда казалось, что его работы выполнены акварельными красками. Художник всегда работал с удивительной легкостью и быстротой. Он мог полностью нарисовать картину за один сеанс. Эту черту, он сохранил до самой старости, и даже в возрасте 80 – лет, картину, площадь которой занимала 12 квадратных метров, закончил за десять дней.

Говоря о художнике, нужно сказать, что все его работы являются очень реалистичными, об этом, в свое время, говорили все именитые живописцы. Уильям Тернер – знаменитый британский акварелист, написал Ивану Айвазовскому восторженное письмо, в котором не скрывал своего восторга и искренне хвалил мастерство художника.

Восход солнца
За свою творческую жизнь, художник написал, около, 6000 полотен на самую разную тематику. В основном, все его картины имеют определенный сюжет и разную тематику. Но самое притягательное в его картинах – это способность отразить морские волны неожиданным богатством цвета. Точно также, это касается и предрассветного неба, солнца, луны, и всего, что он рисовал.

Полотно «Восход солнца» написано в 1878 году и видим мы на нем прекрасный морской пейзаж на рассвете. Почти все полотно занимает восходящее солнце, которое своим светом заполняет все.

Глядя на картину, мы видим, что техника живописи, доведена до такого совершенства, что нельзя понять где мы находимся…

Каждый человек, которому нравится искусство, может считать себя счастливым, если ему хоть раз в жизни удалось видеть эту красоту. Многие люди, годами копят деньги, для того, чтобы посетить музеи, а некоторые даже пользуются быстрыми кредитами. Вряд ли, быстрый кредит, является хорошим решением, а вот сбережения помогут вам отправится в один из музеев.

Гюстав Курбе – известный французский живописец, пейзажист, портретист, а также жанрист. Его считают одним из крупнейших художников Франции на протяжение всего 19 века.

Автопортрет
Французский художник, Гюстав Курбе, написал много портретов не только других людей, но и самого себя. Глядя на эти портреты, не остается никаких сомнений – он был гениальный мастер. От портрета к портрету, мы видим, как он улучшает свою технику и самосовершенствуется.

Все картины, можно разделить на два вида: первый вид вызывает у людей восторг, второй вид – негодование. Гюстав Курбе, умел создавать и те, и другие картины, иногда, у него это получалось с одной картиной.

Картина «Автопортрет», очень умело передает негативную эмоцию.

На портрете, мы видим молодого человека с широко раскрытыми глазами, бледной кожей лица, чуть розоватыми щеками и темными волосами. Руки приподняты к голове и ярко выражают отчаяние, может быть даже и страх.

Картина нарисована угрюмыми красками, фон мрачен, но к большому удивлению, картина зрителя не отталкивает, даже наоборот – притягивает, не смотря на то, что в ней отражены негативные эмоции. Это еще раз свидетельствует о мастерстве художника, который так умело смог передать такие глубокие эмоции. При подробном рассмотрении картины, профессионалы и ценители, могут полностью увидеть характер нарисованного молодого мужчины.

Купальщицы
Картина Гюстава Курбе «Купальщицы» стала не только популярной, но и скандальной, а также вызвала широкий общественный резонанс. В этой картине, художник, нарушил почти все традиции, которые соблюдались при изображении людей, и особенно женщин.

У картины нету сюжета, она просто изображает купальщиц, которые ничего не делают. К тому же, преувеличенные пропорции, вызывают отвращение у зрителей того времени. Позы женщин, как бы говорят о том, что здесь должен быть какой ни будь сюжет – но его нет. В то время, обнаженное тело было принято рисовать только у мифических персонажей, для остальных – это считалось табу. Не смотря на эти факты, картины мастер рисовал очень умело, там изображено много мелких деталей, реалистичная тень и свет. Но, как бы ни старался художник, и эта, и другие его картины вызывали у множества известных людей много неприятных эмоций, его ненавидели и презирали, говорили много неприятных слов в адрес всей его деятельности.

Почему так получилось? Отрицательное отношение к данной картине начало формироваться и потому, что даже невооруженным глазом виден намек на Марию Магдалину, а это считалось кощунством и вызвало максимальное порицание.

Курбе смело опережал свое время, ломал создавшиеся рамки и стереотипы, он не переживал по поводу собственной репутации, благодаря этому он мог внести большой вклад в реализм и в живопись в стиле ню.

Негативные эмоции, связанные с работами художника, всколыхнули художественное сообщество и начали процесс изменения сознания.

Франц Марк – немецкий живописец, представитель экспрессионизма. Выдающийся художник родился в 1880.году, в Мюнхене, ушел из жизни в 1916. году, во Франции, во время Первой Мировой войны.

Франц Марк, очень часто изображал животных в естественной обстановке, для него они являлись высшими, чистимы существами. Позднее, в свои работах он использовал, яркую палитру красок и кубистические образы, которые иногда создавали апокалиптическое и тревожное настроение.

Синий конь
Картина «Синий конь», является одной, из самых известных работ немецкого живописца, к тому же, она очень сильно отличается от других картин. Пронзительна и полна очарования – так, совсем коротко, можно описать эту картину.

На картине мы видим синего коня, грудь которого пронизывает белый цвет, а грива и копыта отдают синевой. Конь символизирует молодого, полного сил юношу, голова, которого склонена на один бок, а тело нарисовано в изломанных формах. Нужно сказать, что художник рисовал, именно, в такой манере.

Картина выполнена в интересном стиле и фон из контрастных цветов, лошадь делает еще необыкновенней. Они, как бы оба дополняют друг друга – лошадь фон, а фон – лошадь, и создают впечатление что, не могут существовать друг без друга.

Франц Марк, считал, что фантазия, точно так – же, как и творчество, не имеет границ. У художника была своя теория цвета и он считал, что нужно рисовать так, как видишь. Особенную, цветовую гамму, художник использовал во многих работах. Он считал, что желтый цвет, это женский принцип, потому, что его сущность чувственная и мягкая, синий цвет – это мужской принцип, а сущность его строгая и одновременно духовная, красный цвет – цвет материи, сущность которого жестокая, и всегда подавляется первыми, двумя цветами.

В картине «Синий конь», художник показал всю красоту синего цвета, соединил благородное животное и неотразимую красоту синего цвета. В результате появилась уникальная картина.

Картину, можно назвать уникальной, не только благодаря синему цвету, но и форме лошади, которая является довольно экспрессионистической и в каждом человеке вызывает разные эмоции.

Лисы
Некоторые работы, Франца Марка, можно назвать необычными.

Судя по названию, не тяжело догадаться, что темой этой картины являются лисы. Для написания, этих, хитрых животных, художник использовал ярко красные, темно зеленые и даже синие краски. Картина, выполнена в очень интересном стиле, нам кажется, что мы смотрим на витражное стекло, а не на картину. К тому же, как ни странно, в этой неразберихе, можно увидеть самые настоящие лисьи мордочки.

Лисы помещены в центр картины, и выполнены в ярко красном цвете, для остального пространства, художник использовал другие цвета.

Францу Марку, удалось создать впечатление, что лисы находятся за стеклом, и человек, может наблюдать за их жизнью.

Марк Шагал известный белорусский и французский художник еврейского происхождения, а также, один из самых известных представителей художественного авангарда 20 века, писал стихи на идише, был сценографом.

Музыка
Музыка и театр, всегда служили, для Марка Шагала, источником вдохновения, благодаря им, ему удалось реализовать самые лучшие свои творческие работы. Любовь к живописи, Марку уже была привита с самого детства, точно также, как и любовь к музыке и к искусству в целом. Творческая атмосфера сопровождала его повсюду, он жил в этой атмосфере и впитывал ее.

Когда настало время покинуть родной дом, он эти ощущения сохранил в своем сердце и в итоге, это существенно повлияло на характер его произведений искусства.

Картина «Музыка» была написана в 1920. году. В центре композиции мы видим крупную фигуру скрипача. Марк Шагал, для изображения музыканта, часто выбирал фигуру скрипача. Это можно очень легко объяснить – на всех знаменательных событиях: свадьбах, похоронах и других праздниках, еврейскую семью, всегда сопровождал скрипач.

На картинах, Марка Шагала, изображен не обычный, а авангардный скрипач. Эта работа не исключение. Тут мы видим чрезвычайно крупную фигуру музыканта, которая ногами упирается в крыши маленьких домиков. На музыканте фиолетовый плащ, а скрипка у него – ярко оранжевого цвета. Но самое необычное – это лицо музыканта, художник нарисовал его темно зеленого цвета.

Глядя на картину, возникает очень много вопросов…

Художнику удалось великолепно изобразить победу музыки и музыканта, который передает нам мощную энергетику. Не зря, многие это считают символом перерождения человека, путем постижения музыки.

Синий дом
Марк Шагал, в своей жизни, пережил многое и это отразилось на его работах. Он написал огромное количество картин, и дал нам возможность понять, как прекрасен настоящий момент. Художник умел изживать такие моменты, не думать ни о чем и сохранять спокойствие.

Эта картина нас удивляет старым деревенским творением – синим домом, на которого нужно смотреть основательно, потому, что при беглом взгляде, можно и не понять замысел художника.

В России много домов синего цвета, но никто не может понять, почему художник выбрал этот странный оттенок. Каждому человеку, определенный цвет, вызывает свои особые ощущения, не исключено, что Марку Шагалу, этот оттенок ассоциировался с невыразимой тоской. Выбор оттенка, трактуют по – разному – это лишь один из вариантов. Этот же цвет появляется и на заднем плане, и на стенах других домов.

Дом заброшен и стоит на окраине, а в дали виднеется целый город. Тема, которую мы видим – является классической, все изображено так, что ничего нельзя изменить, а краски подобраны, просто гениально.

Картина наполнена всевозможными эмоциями и поэтому, нам кажется, что город живой, не смотря на то, что он пустой.

Жан Батист Симеон, выдающийся живописец, а также один их лучших колористов в истории живописи. Прославился, благодаря своим работам в области жанровой живописи и натюрморта.

Прачка
Передний план картины, на котором изображена обычная жизнь простых людей, отличается сияющими яркими цветами. Мы видим женщину, ребенка, корыто с водой и кота, который сладко дремлет, поджав под себя лапы.

Как мы уже говорили, на картине изображен обыкновенный день – просто одетая мать, стирает белье, и эта работа для нее является такай привычной, что она даже не смотрит на руки.

Она стоит лицом повернувшись к свету, как бы к невидимому для зрителя окну… Женщина смотрит в окно и наверняка думает, о чем – то своем. Каждый, из нас, может придумать свою историю – может быть это красавица, которая проходит мимо в красивых туфлях, и наша героиня. На миг ей позавидовала, а может быть там в дали слышен скандал, а может быть она просто наблюдает за плывущими облаками…Может быть, вот так, она отвлекается от нудной работы.

Рядом с женщиной, на стуле сидит мальчик, который полностью поглощен своим занятием – выдуванием пузыря из мыльной пены, которая образуется во время стирки. Одежда у ребенка опрятная, но чуть причудливая.

Спящая кошка, находится чуть в стороне. Судя по тому, как сладко она спит, она сыта и ее не интересуют никакие проблемы. Она красива и пушиста, и не исключено, что в этот миг, видит самый прекрасный сон.

Художник, яркие цвета использовал, только для переднего плана, остальная картина, на много темнее, и поэтому, создается впечатление, задней, темноватой сцены. Там вы видим женщину, которая развешивает белье, дверь и какие – то тряпки.

На картине изображен, обыкновенный день прачки, который, может показаться даже чуть скучноватым. Но, когда начинаешь все внимательно рассматривать, видеть сценку глазами художника, становится так интересно, что хочется продолжать рассматривать картину с надеждой, увидеть, что ни будь такое, чего раньше не замечал.

Молитва перед обедом
Картина «Молитва перед обедом» очень добрая и нежная. Художник, нам дал возможность заглянуть на внутрисемейный быт обычных людей. На переднем плане картины мы видим обеденный стол, и маму с двумя девочками, которые собираются обедать. Мама учит своих дочерей, как нужно произносить молитву перед обедом, а девочки сложили руки в молитвенную фигуру, и внимательно слушают, что им говорит мама.

Женщина не только учит девочек молитве, но и расставляет на столе посуду. Художнику удалось нарисовать очень трогательную и нежную сцену, которая заставляет нас задуматься о любви к близким людям и к Богу.

На картине, также изображены игрушки, видимо ими играли девочки, перед тем, как сесть за стол.

Видимый пейзаж, свидетельствует о том, что у этой семьи средний достаток – платье девочек красивы и пышны, но на обстановка на заднем плане изображена достаточно скромная.

Картину назвать яркой не возможно, а вот утонченной – можно. А также, глядя на нее, нас охватывает чувство любви, нежности, уюта и тепла.

Пабло Пикассо – выдающийся испанский художник, скульптор, дизайнер, театральный художник и график.

Старый гитарист

В жизни Пабло Пикассо, были разные периоды – один из них – голубая пора. Холодный синий цвет выражает тоску, грусть, холод. В это время, из жизни уходит лучший друг художника, не исключен, что именно это событие, заставляет мастера, перетерпеть внутри сильные изменения, которые наружу выплеснулись синим цветом. А также, в это время, сильно поменялась художественная техника написания картин.

Работы «голубой поры» имеют свою манеру написания, свое цветовое оформление, все эти нюансы, мы можем хорошо увидеть на картине Пабло Пикассо «Старый гитарист».

Человек, со согнутой спиной, в оборванных лохмотьях, сидит скрестив ноги. Многие искусствоведы считают, что на картине изображен художник Эль Греко. Пространство выглядит замкнутым, и как будто заставляет старика сгибаться, давит на него. В лице старика видно чувство давления, безвыходности и огромного одиночества.

На картине изображен слепой старик, тонкие пальцы которого свидетельствуют о физической, его слабости. Пабло Пикассо, слепоту изображал во многих полотнах, она для него являлась признаком беспомощности. Эти картины, но неизвестным причинам, имеют у зрителей самый эмоциональный отклик.

Но, первоначально, на полотне была изображена кормящая мать, об этом свидетельствует рентгеновский анализ картины. Картина также, была нарисована в голубых тонах и на ней еще были расположены фигуры молодой коровы и теленка.

Танец

Эту картину называют по – разному, иногда «Танец», иногда «Три Танцора», а иногда «Три танцовщицы». Картина была написана в 1925. году и в творчестве художника обозначает начало периода сюрреализма.

Многие искусствоведы, в разные времена, задавались вопросом, почему художник выбрал именно такой сюжет. Возможно, что одна из причин, такой эмоционально – экспрессивной окраски картины, это сложные отношения Пабло с женой, которые приближались к разводу. Отсюда появился и сюжет картины, и использованные тона.

Другая причина – это любовный треугольник, свидетелем которого был художник. Его друг был втянут в эти отношения, когда женщина стала женой другого, которого всегда любила, друг застрелился. Друг умер в 1925.году, когда художник рисовал эту картину.

Как уже писалось выше, эта картина стала первой работой художника в жанре сюрреализма. Художник разобрал тела танцоров и танцовщиц, а затем создал из них совсем новые, которые приобретают причудливые фигуры и формы. Эмоции на лицах имеют символическое значение, поэтому распознать их довольно таки тяжело. Танцы происходят в комнате с открытыми дверями, черно – коричневого цвета и желтого цвета потолком.

Искусствоведы считают, что семейные проблемы послужили причиной для изображения, весьма странных людей на картине.

В 65 лет, Пабло Пикассо, объяснил, что это полотно связанно с гибелью, двух хороших друзей и на самом деле изображает «Пляски Смерти».

Клод Моне – французский живописец, а также, один из основателей импрессионизма.

Цветы в вазе

Клода Моне Можно назвать не только великим художником и гением, но и основателем нового направления живописи. Благодаря ему, на свет появился импрессионизм.

После перенесенной операции, у Клода Моне, изменилось восприятие цвета, например, белые и светлые оттенки, он начал видеть с ультрафиолетовым свечением. Но, это никак не испортило полотна художника, наоборот, его картины приобрели новые краски.

Картину, «Цветы в вазе» он еще рисовал с восприятием света здорового человека. Работа выполнена в характерной для мастера манере, т. е. крупные мазки чередуются с мелкими деталями.

На картине изображены тонкие ветви цветов и несколько бутонов. Цветы очень нежные и хрупкие, ваза стеклянная, с узким горлышком, фон картины – сдержанный.

Цветы

Клод Моне любил цветы, выращивал их, а также восхищался ими, поэтому, неудивительно, что он любил их рисовать, и они служили ему источником вдохновения.

В жизни художника, были разные периоды, но его любовь к цветам, оставалась неизменной, на протяжении всей жизни. Он любил рисовать цветы, которые росли где ни будь в саду или в поле, на много реже встречаются картины со срезанными цветами.

Клод Моне считал, что в мире существуют только две прекрасные вещи – это живопись и садоводство. В течении всей жизни, художник успешно совмещал и то, и другое.

Благодаря, этой необъятной любви, мир увидел прекрасные картины, которые, теперь заставляют нас, восхищаться этой красотой.

Однажды, Клод Моне, выразился, что если бы не было прекрасных цветов и желания запечатлеть их на полотне, то вряд ли бы он стал одним из художников.

Клод Моне, много времени проводил в саду, и сравнительно мало времени уделял живописи, но это никак не отразилось на творчестве великого художника. Скорее, даже наоборот, чем больше времени он уделял садоводству, тем качественней мог нарисовать все, даже самые мелкие детали.

Последние работы художника, дышат цветами, они выглядят как живые, а специалисты утверждают, что это был пик его мастерства.

Анемоны

Коллеги, Клода Моне, считают, что он стремился ухватить действительность окружающей среды и перенести ее на бумагу. Почему? Потому, что в нашем мире все меняется, сегодня никогда не будет так, как вчера, время утекает постоянно, и не в силах человеческих его поймать, единственный способ – это его запечатлеть с помощью кистей и красок.

Анемоны – простые, яркие цветы, которые растут просто в горшках, от них не веет изысканностью гиацинтов или пафосом роз. Точно так, их изобразил и Клод Моне – по – простому и в тоже самое время очень впечатляюще.

Картина написана легкими, быстрыми мазками, но в тоже время, очень точно и чуть – чуть небрежно.

Густав Климт – известный австралийский художник, основоположник модерна.

Маковое поле

Алый цвет мака, всегда нам говорит о мимолетности и яркости любви, ведь не зря, этот цветок называют цветком любви. А его тонкий, чарующий запах способен усыплять наше сознание, об этом уже знали в древние времена.

Густав Климт в основном рисовал женщин и к рисованию пейзажа обращался очень редко. В этой картине изображены цветы, в основном доминирует мак. Полевые васильки, ромашки и фиалки, остаются на втором плане. Мак доминирует и не позволяет ничему оттеснить свою красоту.

Художник рисует только маки, старается передать всю их красоту и практически, не обращает внимания на другие детали картины, например, небо и горизонт.

Картины Густава Климта, часто состоят из покрова цветов, например, его картина «Поцелуй». Глядя на картину, сразу не возможно понять, что к чему, потому, что кругом одни цветы и только хорошо приглядевшись, можно понять мотив картины. Картина «Маковое поле» точно такая же, в ней все затмевают цветы, создают живой орнамент из маков и других цветов.

Смотришь на картину, и как будто видишь цветочную дорожку, которая начинается где – то в переднем плане и заканчивается где – то глубоко, внутри картины.

Картина выглядит очень реальной, к ней хочется подойти и насладится заманчивым запахом лесной, а может быть и садовой поляны.

Многие считают, что маки сами по себе не пахнут, что аромат, создают другие цветы, но это наверно и не важно, глядя на картину, кажется, что они пахнут и заполняют своим чарующим запахом все пространство.

Цветовая гамма, выбранная для картины, верная – красный и зеленый цвет, создают в нашей душе ощущения радости и покоя. Может быть, именно эти ощущения, вызывают у нас желание смотреть на картину еще и еще.

Адам и Ева

Густав Климт – основоположник модернизма. Все его картины, нарисованы в этом стиле, они яркие и легко запоминаются, Хотя, такое обозначение заслуживают не только картины Густава Климта, но и все остальные работы, выполненные в этом стиле. Например, многие из вас наверняка заметили, что невозможно пройди мимо здания или картины, выполненной в стиле модерн и не обратить на них внимания.

Стиль Климта отличается от стиля других авторов, все его работы невообразимо красивы. Тоже самое, мы можем сказать и про картину «Адам и Ева». На полотне, доминирует тело женщины – Евы, которая изображена на фоне своего мужа. Если фигура Евы нарисована четко, то про Адама можем сказать, что она нарисована расплывчато.

Эксперты считают, что на картине, эта пара изображена после грехопадения. Обратите внимание, лицо Адама – уставшее, на полотне видны только его плечи и лицо, а ноги прикрыты шкурой ягуара. Ева на картине светиться, а вот глаза у нее лукавые, в ногах – цветы.

Климту, прекрасно удалось напомнить, от куда появилась женщина.

В советское время, картины Климта, из – за эротической откровенности были прикрыты, и о их существовании знали только специалисты. Для широкой публики, картины открылись лишь во времена перестройки.